Extrapolaciones

" ¿Qué sería de la vida si no tuviéramos el valor de intentar algo?" Vincent van Vogh

¿Qué mejor frase para presentar mi ejercicio de extrapolaciones?. Sinceramente creo que ninguna, ya que refleja la idea principal del ejercicio que tenemos que realizar, partiendo de la idea de la "integración de partes". He aquí el enunciado propuesto:

Definir el espacio de la habitación verde extrapolando a partir de la imagen que se adjunta. Esta imagen será aproximadamente la cuarta parte del espacio total.

Dentro de ese espacio se ubicará la siguiente figura:

Esta figura se ubicara en el espacio ampliado de la habitación verde. Se definira completamente su cuerpo, el sofá en el que esta sentada y una mesa con objetos sobre ella. Utilizar imágenes provenientes de otros cuadros de Matisse.

A través de la extrapolación de elementos de  diversos cuadros de Matisse he logrado crear un espacio que relaciona  figura y fondo , de modo que, la nueva figuración queda perfectamente integrada en un fondo ajeno a su cuadro de origen. Como resultado encontramos encontramos el primer ejercicio que usa los cuadros propuestos ( con la variación de un mueble que yo he introducido de otro cuadro).

En el segundo ejercicio seguimos con la misma dinámica, sin embargo, ahora la elección de la figura, el fondo y demás elementos figurativos reacae sobre mis hombros. Por lo tanto a partir de diversos cuadros de Matisse he realizado el fotomontaje de mi segundo ejercicio de extrapolaciones

10ª y 11ª de clases de DAI

"No se trata de pintar la vida, se trata de hacer viva la pintura." (Paul Cezanne)

Una vez más, y hoy empezando con una frase del pintor postimpresionista francés Paul Cézanne, me dispongo a comenzar con el ejercicio de reflexión de la séptima semana de clase. Nos encontramos en un punto clave, ya que estamos acabando nuestra etapa de creación de figuras abstractas, a modo de transición que nos lleve a las figuras tridimensionales habitables. Estamos finalizando el camino que nace en el dibujo figurativo y que desemboca en el trazado abstracto, una idea característica del Cubismo (ya entraremos en faena, ya que el tema trae cola, aunque por el momento, arena de otro costal). Dentro del Cubismo se desarrollaran diversas corrientes como puede ser (la que más nos interesa y en la cual vamos a prestar nuestra atención) el fovismo, cuyo mayor representante es Matisse.

Matisse representa el paso del postimpresionismo al cubismo. Su arte se fundamenta en los cuatro apóstoles postimpresionisatas Cezanne (estructura total del cuadro (figura y fondo integradas)), Seurat (pinceladas sistemáticas), Van Gogh y Gaugin (superficies de colores puros y con línea de borde), de los que aprende el oficio y sobre los que lleva a cabo una síntesis, aceptando unas influencias y rechazando otras.

En cuanto a su tratamiento de las figuras, practica al principio una pintura postimpresionista (abajo a la izquierda), construyendo el espacio a base de pinceladas discontinuas y mezclando colores. A continuación opta por los colores primarios y los complementarios, agranda la pincelada y comienza a plantear superficies de color, comenzando así con el fovismo.

 Dejando a un lado la teoría y centrándonos en la aplicación práctica, esta semana hemos continuado del tema del dibujo a través del tanteo y las tramas generativas geométricas que generan un fondo y una serie de figuras que se relacionan, interconectan y dialogan. No aparecen como dos entidades separadas e independientes sino que ambas se superponen y se van desarrollando al mismo tiempo. Esta relación provoca que dentro del propio cuadro exista una especie de organización y disposición de los distintos elementos, por lo tanto para conseguir aplicarla de manera correcta es necesaria la operación de tanteo, la creación de bocetos de tamaño reducido que nos indiquen la estructura, el esqueleto, del dibujo para así lograr una mejor comprensión del espacio pictórico. En nuestro caso, el cuadro se compone de una figura y un fondo superpuestos.

Una vez desarrollemos nuestra etapa de tanteo debemos aplicar una serie de tramas generativas que relacionen totalmente el fondo y la figura. Dichas tramas son partes en las que se aplica el color, trabajando a la vez figura y fondo,  para conseguir la idea de espacio continuo dentro del dibujo. Este es el resultado de dicho proceso

Sin embargo esta figuración debe ser radicalizada y llevaba al extremo que Matisse en varias de sus obras nos propone, es decir, una figura como silueta esbelta y simplificada. En esta percepción que Matisse nos propone el detalle queda eliminado y las formas adquieren una mayor fluidez y sensación de línea curvada.
A pesar de esta nueva forma de tratar la figura, el proceso creador es el mismo, partiendo de un boceto que relaciona las figuras y el fondo creamos una obra llena de zonas contrastadas que emergen como un todo en el que ambos elementos comparten importancia.

Fondos generativos

"Veni, vidi, vici"- Júlio César

Buena frase para prepararme a la hora de afrontar la creación de un fondo generativo.
Un fondo más o menos complejo del que posteriormente tendrá que emerger un fantasma que se convierta en figura. Con este ejercicio pretendemos poner en práctica las técnicas que hemos aprendido durante estas semanas de clase tales como la liberación de la mano, la creación de madejas de lineas o tramas que nos ayuden a que la figura aflore del fondo.
He aquí el primer fondo del que aflora una figura (por un lado encontramos el fondo y por el otro la figura que emerge de dicho fondo).

Por otro lado encontramos un segundo fondo generativo del cual los resultados con y sin flash me parecen interesantes y me transmiten cosas completamente distintas.

 Por último, el tercer fondo es producto de la utilización de diversas fases que hacen que el fondo evoluciones progresivamente hacia la figura.

9ª clase de DAI

"Ningún artista ve las cosas como son realmente; si así las ve, no es gran artista." - Oscar Wilde

Con esta frase del escritor irlandés Oscar Wilde a mi parecer supone un buen punto de partida para comenzar mi reflexión sobre la 6ª semana de clase en la que retomamos, en cierto modo, el tema del tanteo a la hora de dibujar tomando como base el proceso creador de un niño. Este proceso se compone de unas etapas de tanteo puramente icónico que intentará desembocar en una figura que se irá definiendo a través de una madeja de líneas (puros garabatos, dibujos hápticos).
 Para poder realizar este proceso debemos volver a nuestros orígines y desechar lo asimilado hasta ahora, para así conseguir la movilidad que la sociedad y la cultura nos ha limitado. Será este abandono de la cultura anterior la pauta que seguirá el Movimiento Moderno, en el que se empezará a utilizar el color para romper con la figuración y llegar a lo salvaje (fauvismo) reaccionando contra el arte anterior. Dicho arte parte de la técnica renacentista en la cual el espectador se adentra en el espacio (aparición de la perspectiva) a la vez que se crean espacios ambiguos que rompen con la relación figura-fondo, también destaca la verosimilitud y las figuras racionales e idílicas. Como contraposición a este arte e inmediatemente después aparece la técnica barroca que desecha el equilibrio y la tranquilidad que aporta el Renacimiento por la incertidumbre y los juegos de luces-sombras que el Barroco aporta a sus obras. Esta transición entre estilos la representan perfectamente autores de finales del siglo XVI, como puede ser el Greco, que abogan por el abandono gradual de la perspectiva, de la figura y del espacio continuo a través de los efectos que crea la luz. Sin embargo será el Impresionismo (segunda mitad S.XIX) el que desarrollará la impresión visual y el instante de luz sin reparar en unas figuras cada vez mas desdibujadas. Algunos autores impresionistas como Delaine utilizaran la luz, la sombra y la radicalización de colores para romper con la convención. 

Sin embargo, y volviendo al arte modernista, nos centraremos en la formar de actuar y crear que nos aportan pintores como Henri Matisse, uno de los pintores más importantes e influyentes del S.XX, que destacó por su uso del color de forma original y fluida en el dibujo. En la técnica de este autor destacan los fondos muy contrastados que contraponen colores primarios o complementarios en numerosas ocasiones. Dentro de sus obras, el espacio no es empírico ya que no existen sombras y los lugares son planos con solo una mera importancia cromática.
Una vez conocida la técnica debemos afrontar el lienzo con decisión, sin embargo, y siguiendo con la realización de auto-retratos de la semana anterior, debemos realizar un boceto mediante diversos tanteos y madejas de líneas que se superponen y dialogan para definir un trazado final. En el momento que aflora de la madeja de lineas nuestra figura icónica debemos utilizar el contraste entre colores (complementarios) para que dentro de nuestra obra unos potencien a otros y nuestra obra adquiera la fuerza que necesita. Por un lado encontramos un primer boceto a lápiz que posteriormente servirá como guía para la realización de nuestra obra.

7ª y 8ª clases de DAI

Hoy, por fin, ha llegado la hora de la verdad.
Buena frase para comenzar mi entrada sobre la 5ª semana de clase de DAI, ya que a partir de hoy ya empieza lo serio, durante estas primeras semanas de curso hemos aprendido técnicas y conceptos, tales como la liberación de la mano, la actitud creadora, la fluidez del cuerpo frente al dibujo o las distintas tonalidades emocionales que podemos expresar mediante nuestras obras. Sin embargo, ahora debemos aplicar estos conceptos a la segunda parte del curso, una parte ya más relacionada con la creación de formas y figuras con un mayor interés arquitectónico, ya que nuestra labor es la de crear figuras tridimensionales habitables.
Partiendo de esta nueva idea propuesta para esta segunda parte del curso empezaremos a analizar dichas figuras, y dado que como ya vimos en clases anteriores estamos sometidos a un proceso de socialización, como formas icónicas que buscan asemejarse a la realidad. Sin embargo, para conocer y poder representar el arte debemos empezar a concebir y a crear abandonando ese control del dibujo optico que juzgamos y controlamos para empezar a dibujar de forma háptica. Para ello debemos remontarnos a nuestro pasado, cuando eramos solo niños y comprender así las figuras que creábamos a través de tanteos y de la aplicación de patrones conocidos. En un principio, los niños comienzan a dibujar garabateando y formando madejas de lineas, para así explorando la motricidad de su cuerpo con el fin de dibujar por dibujar. Con el paso del tiempo el niño crece y adquiere un lenguaje, que le llevará a nombrar los garabatos para después hacerlo antes de dibujarlo y poder crear historias en las que intervienen varias figuras. Este proceso llevará al niño al TANTEO y la afianzación de unas formas que irá mejorando y renovando. Como colofón a este proceso el niño conseguirá representar imágenes iconicas similares a lo que ve en realidad.
Tomando el Arte de los Niños como base y basándonos en algunos de los procesos propuestos por el Art Brut de Debuffet, empezaremos a dibujar madejas de líneas que se irán concretando para conseguir llegar a una forma final. Algunos de los ejemplos que nos fueron expuestos en clase son bastante explicativos y muestran la visión de la realidad como la vería un niño.

Bueno dado que el contenido principal de esta semana se basa en la búsqueda de un resultado final a través de una operación de tanteo, el primer ejercicio que se nos planteó en clase fue el de retratarnos tal y como nos vemos a nosotros mismos, por supuesto sin aun haber adquirido ningún aspecto de los señalados anteriormente. Estos primeros "auto-retratos" destacaban sobre todo por su carácter icónico, ya que todos salvos raras excepciones intentamos aproximarnos lo más posible a la realidad o al menos que apareciera deformada minimamente. Este proceso que nada tiene que ver con el tanteo ni con la forma de dibujar de los niños dio resultados poco provechosos y que sirven como ejemplo de contraposición de lo visto anteriormente. Este es el "auto-retrato" que he realizado, intentando mostrar una visión caricaturesta y no tan fiel a la realidad. 

Esta visión tan icónica de nosotros mismos necesita de una evolución a través del tanteo y una visión creadora característica de un niño que asociara a una serie de madejas de lineas unos nombres y unos patrones que mostraran un dibujo háptico que pasara por diferentes fases de deformación.He aquí los dos "auto-retratos" que muestran una visión más libre sin pasar por un proceso que juzgue la verosimilitud con la realidad que representamos.

Siguiendo este mismo procedimiento, y tomando como referencia la técnica de Antonio Saura (tachismo, chorreo), debemos adquirir una actitud aun más movimental, inconsciente, emocional y de tanteo que nos lleve a liberar la mano y conseguir la creación a través del fracaso. Ahora bien, a la hora de realizar nuestra obra, el primer paso que debemos seguir es el de realizar una madeja de lineas con técnica seca (boceto previo) para después aplicar pintura acrílica para recuperar zonas y figuras. Como resultado de este proceso   muestro de nuevo un "auto-retrato".

5ª y 6ª clases de DAI

Bueno ya nos encontramos ante la 4ª semana de curso, parece que fue ayer cuando por primera vez en el taller nos sentamos todos juntos en círculo, extrañados, asustados, tímidos y sobre todo perdidos ante una de las etapas más bonitas, aunque duras y trabajosas de nuestra vida. Sin embargo eso ya ha pasado y hemos entrado en una dinámica que tuvo su comienzo en las primeras semanas en las que aprendimos aspectos técnicos como el liberar la mano para expresar nuestras emociones y sentimientos, tantear con fluidez para a través de nuestro cuerpo conseguir dibujar de forma libre o controlada según nos lo pida nuestro dibujo, utilizar el gesto y la tonalidad emocional en nuestras obras y sobre todo nos hemos puesto en una disposición inicial de ser CREADORES.

Pero bueno eso es parte de nuestro pasado más cercano y es necesario que nos centremos en esta nueva semana en la que tocaremos distintos estilos que nada tienen que ver unos con otros, y que implica una actitud totalmente distinta ante cada uno de los cuadros a los que nos vamos a enfrentar.
En primer lugar para abrir boca comenzaremos por utilizar la técnica del pintor y escultor italiano Umberto Boccioni, que perteneció al movimiento futurista, para expresar una tonalidad emocional relajada. He aquí uno de los cuadros de dicho autor que nos servirá como inspiración para nuestro trabajo.

En este cuadro de Boccioni podemos apreciar un cuidadoso estudio del movimiento a través de una técnica que utiliza capas compuestas de bandas que evolucionan transparentandose y dialongando para acabar siendo rematadas por una última capa que define y jerarquiza dichas bandas. Podemos apreciar como el autor juega en todo momento con la presión de las líneas curvas utilizando su propio cuerpo como herramienta principal para el dibujo. Ahora nosotros a través de esta misma técnica que utiliza distintas capas y variaciones de degradación que dan sensación de volumen, espacio, profundidad... Tras un largo y costoso proceso de trabajo que costó más de una lámina ( y más de 2) conseguimos realizar una obra similar a la que expone la fotografía anterior, pero no nos quedamos en la trama de grises, blancos y negros, sino que también nos aventuramos a utilizar el color en nuestra obra

Tras haber explorado en profundidad lo expuesto por Boccioni (que la verdad es que es ver esa especie de red o trama de bandas entrecruzadas y te dan ganas de relajarte, contemplar y fluir con el dibujo), debemos realizar un punto y a parte. ¡Y nunca mejor dicho!. Porque todo lo que habiamos aprendido de Boccioni no nos servirá de nada al tomar la técnica de Romul Nutiu y su expresionismo abstracto. Es hora de hacer obras que hablen por si solas, obras llenas de gestos, valentía, atrevimiento, atracción y sobre todo mucha energía. De nada sirven los trazos largos, lentos, cuidados... cuando debemos liberar nuestra energía interior, cuando debemos ATACAR EL CUADRO. Al igual que Nutiu en su obra debemos mostrar dicha valentía y encarar el cuadro con decisión usando trazos cortos, decididos y utilizando colores básicos como pueden ser azul, rojo, amarillo, verde, negro o blanco. He aquí un cuadro del autor a la izquierda y a su lado mi obra.

Sin embargo, por suerte, aquí no termina esta semana de clase que tantos cambios y cambios en la técnica, la actitud, etc. En la última parte de la clase del viernes, y esta vez no por suerte sino por desgracia más bien, ya que no tuvimos tiempo material para poder acabar de trabajar la técnica de Fleischmann. Este autor rompe totalmente con todo lo visto hasta ahora, y cuando digo todo es todo, de nada valen la relajación ni la valentía ni mucho menos la libertad de trazo. Ahora nos enfrentamos a una técnica artística basada en el control del gesto, en la tensión de los trazos, en las líneas rectas que forman matrices ortogonales que solo admiten dos direcciones (vertical y horizontal). Tomando como referencia una obra de este autor comenzamos a realizar nuestra obra inacaba por falta de tiempo. He aquí la foto de la obra de Fleischamann y un primer paso o comienzo de la mía.